Soeben live auf France Musique concert donné le 01 octobre 2016 à Strasbourg avec l’Orchestre National des Pays de la Loire, Pascal Rophé : Chef d’orchestre.

Henri Dutilleux, Timbres, espace, mouvement ou „La Nuit étoilée“ pour orchestre (1977 – 1978 | révisée en 1991).

Michaël Jarrell, Emergences – Résurgences (2016).

Alberto Posadas, Kerguelen (2013).

Francisco Guerrero (Lehrer von Posadas), Sahara (1991).

Drei starke Stücke ohne Hektik, aber mit intensiver Dramatik, das vierte in einem xenakischen Sturm. Eines der besten Konzerte 2016.

Soeben live auf Ö1 vom 30. November 2016 in Wien Wiener Symphoniker, Dirigent Ludovic Morlot, Klavier Nicolas Hodges, Schlagwerk Victor Hanna.

Olga Neuwirth, Trurliade-Zone Zero. Konzert für Schlagwerk-Solo und Orchester

Bessere Aufnahme als im Sommer in Luzern, alle Schlagzeugteile hier gut hörbar. Das Stück erscheint eher als etwas Leichtes denn ein Kampf, aber das ist gut so.

Soeben live auf SRF 2 Orchestra della Svizzera italiana, Dennis Russell Davies, Leitung, Konzert vom 18. November 2016 in Lugano (50. Todestag Hermann Scherchens).

Vier Orchesterfassungen des Scherchenschülers Bruno Maderna von Pergolesi, Frescobaldi, Gabrieli und Grossi da Viadana.

Eine Orchesterfassung Hermann Scherchens von Bachs Kunst der Fuge – in Ausschnitten (50 Minuten).

Das ist nicht sehr viel Engagement gegenüber dem Fastluganeser Scherchen mit Wohnsitz in Gravesano. Aber immerhin: Scherchens Bachbearbeitung ist eine Entdeckung.

Gravesaner Dorfkern mit der Casa Scherchen irgendwo (vom Monte San Salvatore in knapp acht km Distanz, 27. 10. 2016)

Zusatz ein Tag später: soeben dasselbe Konzert noch einmal, wenigstens Scherchens Stück, auf Deutschlandradio Kultur.

Adorno über Scherchen, der ihn 1924 mit Alban Berg bekannt machen musste: „Seine modernen Programme sind die besten, die existieren; er kennt sich [als Dirigent] in Kompositionen aus, das geschieht nicht oft. Er ist für Schönberg dagewesen, als alle anderen noch zu feig waren. Er hat Strawinsky in Deutschland bekannt gemacht. Er hat sich für die junge Berliner Generation eingesetzt, als sie noch bei Schreker Unterricht nahm. Unvergeßlich: man hat von ihm erstmals und exemplarisch die Wozzeck-Bruchstücke gehört.“ (GS 19, S. 456-457)

Gestern Abend live auf Deutschlandradio Kultur vom 25. November 2016 in der Hamburger Kunsthalle, Makart-Saal:

Steffen Schleiermacher, Klavier und Erläuterungen

Karlheinz Stockhausen, Klavierstück V // Paul Dessau, Drei Intermezzi für Klavier // Morton Feldman, „Intermission V“ für Klavier // John Cage, Music for Piano 53-68 // Sylvano Bussotti, Five Piano Pieces for David Tudor // Morton Feldman, „Intermission VI“ für Klavier, Bernd Alois Zimmermann, „Konfigurationen“. Acht Stücke für Klavier // Leopold Spinner, Fantasy op. 9 für Klavier // Olivier Messiaen, „La Chouette hulotte“ (aus „Catalogue d’oiseaux“) für Klavier // sowie elektronische Musik von Jean Dubuffet, Pierre Schaeffer, Pierre Henry und György Ligeti.

Eine mutige Konzertveranstaltung über eine wichtige und spannende Zeit der Musik- und der Kunstgeschichte, die 1950er Jahre. Da ich diesen Radiosender als Internetradio höre, ist der Sound etwas schräg; trotzdem sind die beeindruckenden pianistischen Interpretationen so unterschiedlicher Ästhetiken auf einem Haufen ein Hochgenuss.

Zum ersten Mal hörte ich etwas von Leopold Spinner und vom Einfluss Pierre Schaeffers auf Messiaen (der aber in letzter Zeit offenbar von allen Seiten her aufgearbeitet wird). Erstaunlich, dass Messiaens Musik dieses Impulses bedurfte… Das elektronische Stück von Ligeti war mir vorher möglicherweise entgangen – mich dünkt, es gebe noch ein anderes, das weniger nach Varèse sondern eher nach Nono tönt.

Gestern Abend live auf SWR 2 aus den 1990er Jahren irgendwo: Chor und Kinderchor des Théâtre Royal de la Monnaie, Orchester des Théâtre Royal de la Monnaie, Leitung Sylvain Cambreling.

Hans Zender, Stephen Climax, Oper in 3 Akten.

Letzte Woche hatte ich mir gewünscht, diese Oper hören zu können – und schon realisiert sich der Wunsch… Man hört durch den Ulysses, in dem die Dubliner Nelsonsäule prominent erscheint, die ereignisarme Geschichte des berühmtesten Säulenheiligen Simeon (in der Rezeption von Hugo Ball: im gleichen Zeitraum geschrieben wie der Ulysses von Joyce). Die Verpfropfung von zwei Geschichten funktioniert auch ohne Bühnensicht unter Kopfhörern gut. Allerdings überschreitet die musikalische und dramaturgische Ästhetik den Rahmen von Bergs Wozzeck kaum wirklich – ich erwartete in dieser Hinsicht einen kompositorischen Ein- oder Ausbruch, quasi einen Einspruch. Das grosse und grossartige Werk bleibt in gewisser Weise brav & sittsam.

Soeben live auf France Musique du 27 septembre 2016 à Strasbourg: l’Ensemble Linea de Strasbourg, Jean Philippe Wurtz Direction.

Alberto Posadas, La lumière du noir (2010), Anamorfosis (2006), Oscuro abismo de llanto y de ternura (2005).

Eine schöne, aber in nichts verklärende Musik. Sie versteht es in kritischer Intention, alle Schwierigkeiten in den Kompositionen so zu meistern, dass nie jemals Tonalität aufscheinen muss. Eine grossartige Musik, die man partienweise mit Sciarrino vergleichen könnte.

Gestern Abend live auf SWR 2 vom 11. Juni 2016 im Nationaltheater Mannheim:

Salvatore Sciarrino, Superflumina, Opera in un atto, Libretto vom Komponisten. La donna (Die Frau): Anna Radziejewska, Un giovane/Voce lontana (Ein junger Mann/Ferne Stimme): Matthew Shaw, Un passante/Un poliziotto (Ein Passant/Ein Polizist): Nikola Diskic, Altoparlanti degli annunzi (Durchsagestimmen): Francesco Damiani, Orchester, Chor, Bewegungschor des Nationaltheater Mannheim, Leitung Roland Kluttig.

Eine wundersam packende neue Musik, die ein grosses junges Publikum finden könnte, mit einer nicht nachlassenden Spannung über die ganzen 100 Minuten hinweg. Man denkt an Zwei aus alten Zeiten: Cathy Berberian und Demetrio Stratos.

Gestern Abend direkt live auf France Musique L’Orchestre National de France, Neeme Järvi direction.

Dmitri Schostakowitsch, Siebte Symphonie (Leningrader).

Ich schätze Schostakowitsch nicht als erstklassigen Komponisten, da seine Erfindungsgabe nur wenig ausgeprägt ist, die Einzelstimmen ohne Phantasie und ihr Zusammenspiel sei es in der Harmonie oder im Kontrapunkt ohne Raffinesse gesetzt sind. Wenn die Komposition ihr Material in die Enge treibt, ist die Lösung kaum je bewundernswert, und man folgt ihr ohne Staunen: in den kleinen Formen, die jedes Stück Beethovens oder Schönbergs zum Meisterwerk machen, steckt keine Glut. – Die Leningrader Symphonie, Nummer 7, steht (mit Babi Jar, Nummer 13) einzigartig im Gesamtwerk von Schostakowitsch und hat eine besondere Qualität. Sie offenbart sich gegen den Schluss hin, wo Partikel aus dem langen Geschossschrecken der ersten Hälfte wie Nebelbänke in der toten Landschaft treiben und wie eben nur in grosser Kunst mit dem Signal der geschichtsphilosophischen Not ins Langzeitgedächtnis hinabgleiten, dass das nicht mehr geschehen darf.

Es scheint mir klar, dass sich die grosse Kunst dieser Musik erst nach vielen Jahren hat zeigen können – in den siebziger Jahren erschien mir auch dieses Stück des Komponisten, dessen Symphonien alle der Reihe nach im Radio gesendet wurden, bloss plump, ohne tiefer gelegene Schicht von Rätseleffekten. Erst die Distanz treibt die hoffnungslose Dringlichkeit in die Welt der Erscheinung.

Stellt man die Stösse der Leningrader Symphonie neben die Kindertrompete der Geschichte des Soldaten, zeigt sich die erbärmliche Seite des Igor Strawinsky, in der ihm der Faschismus nur Anlass ist, sich witzig über die Pünktlichkeit seiner Züge zu freuen.

Soeben live auf WDR 3 Aufnahme aus der Kölner Philharmonie und aus der Philharmonie Essen 2016 mit Sarah Wegener, Sopran, Lutz Koppetsch, Altsaxofon, WDR Sinfonieorchester, Köln, Leitung Brad Lubman.

Luciano Berio, Récit (Chemins VII) für Altsaxofon und Orchester. – Unerreichbar.

Alban Berg, 5 Lieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg, op. 4 für Sopran und Orchester. – Grosse Klassik.

Enno Poppe, Torf für Orchester, Kompositionsauftrag der Philharmonie Essen und des WDR, Uraufführung. – Windig und leer, geschlurft.

Philippe Manoury, Sound and Fury für Orchester, Kompositionsauftrag des WDR, Uraufführung (Neuversion). – Wuchtig und lebendig.

Soeben direkt live auf SWR 2 das SWR Symphonieorchester, Personal aus dem IRCAM, Mike Svoboda (Posaune), Leitung Alejo Pérez: Schlusskonzert der Donaueschinger Musiktage 2016.

Elliott Carter, „A Symphony of Three Orchestras“. – Eh man sich’s versieht, ist er da, Sankt Peter: in der Widmung des Stücks an Pierre Boulez. Kaum dass man es selber merkt, setzt man sich gerade auf den Stuhl und folgt dem Stück in bewegungsloser Konzentration.

Franck Bedrossian, Twist für Orchester und Elektronik (UA). – „Das Stück springt einen an“, sagt der Moderator. Ich war also gewarnt … und trotzdem fast vom Stuhl gefallen. Pufff, ein doppelter Kinnhaken der Start! Wie die Mothers of Invention in ihren frühen Tagen. Wäre Gail Zappa noch da, sie klagte aus Gründen eines Plagiatsverdachts. Frank aber hätte seine Freude an Franck gehabt: endlich ein gelehriger Schüler und erst noch aus Frankreich. (Sorry für die Kalauerei.)

Georg Friedrich Haas, Konzert für Posaune und Orchester (UA). – Was bei Ablinger heute Mittag die Schlager waren, ist bei Haas abends der Strauss, von der Alpensymphonie am Anfang des Stücks bis zum Zarathustra am Schluss. Ich bin sicher, dass der Witzbold Sir Robert Scruton an dieser Ästhetik seine Freude fände (aber dieser philosophische Musikkomiker scheint um die Musik selbst einen grossen Bogen zu machen).

Soeben auf SWR 2 eine 90-minütige Sendung über die spanisch-deutsche Komponistin Maria de Alvear.

Eine Komponistin, die in diesem Jahr in Donaueschingen nicht vertreten ist, der aber einige aus dem Jahrgang 2016 kaum das Wasser reichen können.

Soeben direkt live auf SWR 2 das ensemble recherche plus Beate Anton, Gunnhildur Einarsdóttir, Gabriela Mossyrsch und Julia Weissbarth (alle vier: Harfe).

Wieland Hoban, Uròabrunnr, für 4 Harfen und Ensemble (UA). – Drei Nornen brünzeln zu viert an die Donauesche. Kindergartenkinder würden davoneilen, im vermeintlich „gut informierten Avantgarde-Publikum“ (Roger Scruton) wird ganz ohne Beimischung von Buhrufen applaudiert.

Peter Ablinger, Die schönsten Schlager der 60er- und 70er-Jahre für Ensemble (UA). – In sechs Teilen sollen sechs Schlager auf der Giftmülldeponie entsorgt werden. Das ist ein interessanter Gag, der einen zum aktiven Hören ermuntert. Losgelöst von der Rätselfrage wird diese Musik aber nicht überleben. Das spricht indes nicht gegen das Stück als Kunstwerk – ich würde es in nächster Zukunft gerne nochmals hören. Dass ich beim Zuhören aber ungefragt auch Schlagermusik aufnehmen muss, verletzt meine ästhetische Befindlichkeit.

Patricia Alessandrini, Leçons de ténèbres für Ensemble und Elektronik (UA). – Die drei Nornen haben sich auf wundersame Weise vermehrt und wimmern um die Wette. Das aufwendige Kompositions- und Aufführungsverfahren ist vielversprechend. Der Gehalt der Vorlage kommt aber mit den Problemen der heutigen Zeit in die Quere. Lasst den Kirchenglauben ruhen. Fürs nächste Stück möchte ich als Thema vorschlagen: It’s so fucking great to be alive.

Martin Smolka: a yell with misprints – two movements für Ensemble (UA). – Back in the kindergarten. Immerhin war am Schluss ein Buhruf zu vernehmen: gratuliere!!!

Die frivolen Leute tun gut daran, sich darüber klar zu werden, dass der Geist von Saint Pierre nur wenige Flügelschläge von Baden Baden her machen muss, um sie heimzusuchen.

Soeben direkt live auf SWR 2 von den Donaueschinger Musiktagen 2016 das Calder Quartet, die geniale Sopranistin Audrey Luna und Personal aus dem IRCAM (nur sehr zurückhaltend in der Musik von Eötvös).

Nathan Davis, Echeia für Streichquartett und Elektronik (UA). – Die Idee wäre interessant, die in der römischen Antike bei Theaterbauten praktizierte Stimmverstärkung durch architektonische Zusätze heute durch besondere elektronische „Verstärkung“ zu realisieren. In dem Stück von Davis wird der elektronische Zusatz aber zum Zentralen und also zu einem blöden, letztlich unmusikalischen Spielzeug.

Daniel Wohl, radiance für Streichquartett und Elektronik (UA). – Ja, da glänzt Amerika in einer Lawine elektronischer Flageoletts wie eine Überdosis Schlagrahm auf dem Tisch. Ich ziehe dieser Musik diejenige von Steve Vai vor; auch sie ist fragwürdig, aber der Typ ist mit ihr auf eine Weise sozialpädagogisch aktiv, die Applaus verdient (und bei Zappa war er ja wirklich eine Bombe).

Peter Eötvös, The SIRENS CYCLE für Streichquartett, Koloratursopran und Elektronik. – Waren die ersten beiden Stücke der Amerikaner zusammen kaum eine halbe Stunde lang, dauert Sirens Cycle ca. 45 Minuten. Der Hauptteil der Zeit gehört dem ersten Teil mit einer halben Stunde. Er wiederholt Berios geniale Vertonung der Sirenenpassage im Ulysses von „Bronze by gold heard the hoofirons…“ mit einzelnen Auslassungen bis zum Absatzende „Done. Begin!“ (Berio endete bei Liszt’s rhapsodies in der Mitte, benutzte aber durchgehend alle Worte.) Leider habe ich keine Anspielungen auf Omaggio a Joyce ausmachen können, als ob Eötvös sich zu einer Auseinandersetzung nicht getraute. Und in der Tat scheint es mir eindeutig, dass seine Musik hinter die von Berio zurückfällt! Sie hat etwas Biederes, im schlechten Sinne Scheues. Omaggio a Joyce von 1958 hörte ich sicher dreissig Male, dem Sirens Cycle werde ich kaum je wieder begegnen. Der zweite Teil zitiert das Sirenenkapitel aus Homers Original, allerdings nur kurz. Das Altgriechische nervt, als ob Eötvös Bildungshuberei nötig hätte (hat er indes überhaupt nicht). Eine deutsche oder englische Übersetzung wäre okay, einfach als Stütze fürs Publikum (der Satz müsste dann wohl länger sein). Musikalisch bietet der Mittelteil nichts Erwähnenswertes, ausser eben dem Umstand, dass einem der Klang des Altgriechischen in einer Welt, die fürs heutige Griechenland zittert, unangebracht vorkommt. Der dritte Teil referiert die Variante von Kafka, die einen schon während des Hörens zum Nachdenken über Kunst und ihre verfehlte Rezeption bringt. Referieren ist hier natürlich ein monströses Wort, denn der Gesang ist es, der das Stück trägt: auch wenn die Streichquartettkomposition lahmt, folgt man der Stimme mit offenem Kiefer und starren Blickes. Wer ist da der Zuhörer? Uli isses.

Gestern Abend direkt live auf SWR 2 Eröffnungskonzert der Donaueschinger Musiktage 2016, mit dem Arditti Quartet, dem SWR Experimentalstudio, Moritz Eggert als Schreistimme und dem SWR Symphonieorchester mit dem Dirigenten Pierre-André Valade.

Jan W. Morthenson, Omega für Orchester (UA). – Leicht alt aussehend gleich am Anfang.

James Dillon, The Gates für Streichquartett und Orchester (UA). – Eines dieser englischen Stücke, wo man ständig an Alice denkt.

Martin Jaggi, Caral für Orchester (UA). – Ein Teilstück aus einem grösseren Zyklus. Die Spur des Komponisten führt in zeitlich wie örtlich weit entfernte Gegenden, deren Sedimente der aktuellen Musik amalgamiert werden. Neben die Momente von grosser Spannung, Dichte und Farbigkeit gesellen sich zuweilen auch solche des Kitsches. Die ästhetische Richtung ist interessant, die Lösungen in wenigen Teilen fragwürdig.

Klaus Schedl, Blutrausch für Stimme, Orchester und Elektronik (UA). – Gegenaufklärung, wie sie Deutschland liebt, eine Art Salonrammstein im Stimmungsgeraune von Sloterdijk. Da Schedl im Fach Komposition versagt, setzt er Kniffe der Schlagerwelt ein, um tiefe Gefühle auszulösen. Immerhin konnte sich nach dem Scheiss eine Buhstimme Gehör verschaffen.

Soben direkt live auf WDR 3 aus der Beethovenhalle Köln das WDR Sinfonieorchester Köln, Leitung: Marek Janowski.

Hugues Dufourt, Ur-Geräusch, Uraufführung.

Ganz nach meinem Geschmack.

Gestern Abend direkt live auf Deutschlandradio Kultur aus der Philharmonie Berlin Leila Josefowicz, Violine, Berliner Philharmoniker, Leitung: John Adams.

John Adams, „Harmonielehre“ für Orchester.

John Adams, „Scheherazade“ – Zweite Dramatische Sinfonie für Violine und Orchester.

In dieser Musik wird nicht ein Gebilde entfaltet, das es in einem Bezug zu allen anderen Werken der Gegenwart und der Geschichte der Musik zu entziffern gelte; sondern einer spricht in dreister Unvermitteltheit zum Publikum, der weiss, dass er vom Geist der künstlerischen Allmacht durchströmt ist und sein Gesicht – seine Wahrhaftigkeit – unter der Burka nicht zu zeigen braucht. Ich fühle mich in niederträchtiger Weise bedrängt, wie sich die vielen Einzelnen in denjenigen fernen Gesellschaften fühlen müssen, wo sich die US-Amerikaner aufdrängten, um ihre eigenen fadenscheinigen Interessen durchzusetzen. John Adams wehrt sich gegen das Gesellschaftliche in der Musik und polemisiert gegen die fortschrittliche, aber bei kaum einem anderen Komponisten ist das Gesellschaftliche so offensichtlich … und so ätzend.

Gestern Abend direkt live auf Deutschlandradio Kultur Robyn Schulkowsky, Schlagzeug, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Leitung: Jakub Hruša.

Olga Neuwirth, „Trurliade-Zone Zero“ für Schlagzeug und Orchester (Deutsche Erstaufführung). – Auch dieses lang erwartete Schlagzeug-Orchesterstück von Neuwirth vermag es nicht, die Erinnerung an einen Soloabend von Pierre Favre vor über vierzig Jahren zu übertrumpfen: es scheint, als müssten alle KomponistInnen der Zeit am Schlagzeug scheitern. Im Detail ist das halbstündige Werk recht interessant. Aber man wundert sich darüber, dass ein so riesiger Aufwand im Kleinen in der grossen Dauer, der grossen Form, letzlich im Nichts verpufft. Ob es am Hörer liegt, der den Zusammenhang nicht sieht? Gut möglich, dass diese Konzertform ein direktes Liveerlebnis in situ verlangt, also das visuelle verfolgen der Anstrengung sowohl der Solistin wie der Orchestermusiker gegen die Anforderungen und Herausforderungen der Komposition.

Vorher auf WDR 3 ein gut gemachtes Hörspiel mit Originalaufnahmen, also ein Feature zu Ezra Pound: „Unseres Herzens Gordischer Knoten – Diskretionen von Mary de Rachewiltz, der Tochter Ezra Pounds, Hörspiel von Klaudia Ruschkowski.“ Pound lebte mit der Geigerin Olga Rudge zusammen; das Kind Maria gaben sie einer Amme nach Gais im Tiroler Pustertal mit, ohne den Kontakt abzubrechen. Maria heiratete Boris de Rachwiltz, mit dem sie 1955 in den eindrücklichen Schlossbau Brunnenburg in der Nähe von Meran einzog, wo Pound die letzten, intellektuell leergefegten Cantos schrieb. Die Sendung? Ein gutes Werk über einen unrettbaren hochstapelnden Dichter.

Soeben live auf WDR 3 vom 13. August 2016 aus dem hr-Sendesaal, Frankfurt, Internationale Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik, Christian Dierstein, Schlagzeug; Klavier-Duo Sugawara/Hemmi; hr-Sinfonieorchester, Leitung: Lucas Vis.

Helmut Lachenmann, Air. Musik für großes Orchester und Schlagzeug-Solo (1969). – Ein noch ungebändigter, ungestümer Lachenmann, sehr anregend.

Bernhard Gander, bloodbeat für Orchester, Uraufführung. – Ziemlich blutarm & lahm, zum einen Ohr rein, zum andern rasch wieder raus.

Brian Ferneyhough, Firecycle Beta, Sinfonischer Torso für 2 Klaviere und Orchester. – Ein gebändigter, publikumsnaher Ferneyhough, bunt zum Anschauen, abgemildert zum Träumen.

Soeben live auf Bayern 4 vom 28. August 2016 am Baltic Sea Festival das Swedish Radio Symphony Orchestra, Leitung: Esa-Pekka Salonen, Solistin: Yuja Wang, Klavier.

Olivier Messiaen, Turangalîla-Symphonie. – Nach ein paar Jahren Hörpause heute mit Lust wieder gehört, wenn gegen Schluss hin das Ganze auch in einer amerikanischen gershwinischen Aufgeblasenheit zu verpuffen droht (zum ersten Mal bemerkt eine Radiomoderatorin, dieses Werk sei eines der leichteren von Messiaen). Es ist wohl immer noch besser als Wolfgang Rihms Tutuguri gestern auf Deutschlandradio (direkt live aus Berlin mit Graham Forbes Valentine, Sprecher, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Leitung Daniel Harding): ich hörte in die Übertragung hinein, ohne zu wissen, was gespielt wird, etwa 20 Minuten nach Beginn, und gab nach 40 Minuten auf, weil ich die Musik nicht wiedererkannte – sträflicherweise – und meinte, von diesem Komponisten mit Bestimmtheit noch nie ein Werk gehört zu haben, passagenweise ein schamloser Klau von Phrasen aus Varèses Stücken (wenn ab und zu auch nicht ohne Reiz), und das Ganze unter Umgehung der Bildung eines neuen Zusammenhangs (was allerdings nur dann zu beurteilen ist, wenn man überhaupt dem Stück von Anfang bis Schluss zuhört…), nicht zuletzt stärker im Sog der Tonalität als Messiaen in dem der – immerhin eigenen – Modalität.

Gestern Abend direkt live auf Ö1 aus Salzburg eine Opernuraufführung mit dem Salzburger Bachchor und dem ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter dem Komponisten-Dirigenten Thomas Adès:

Thomas Adès, The Exterminating Angel, nach Luis Bunuels Film.

Eine leichte Kost fürs grosse Publikum, im ersten stündigen Teil etwas steif im immer gleichen Tempo, im immer gleichen Tutti und in der immer gleichen Lautstärke, dann durchsetzt mit wenigen einzelnen Passagen, die sich hören lassen – am Schluss eine Huldigung an Pink Floyd. Der Typ könnte in der Rockmusik mehr Geld machen. Lord have mercy on the people in England of the terrible music these people must listen to.